domingo, 30 de octubre de 2016

La Vida Inmoral de la Pareja Ideal

Crítica publicada en ADN Morelos el día 27 de Octubre del 2016

Cuarto largometraje de ficción a cargo de Manolo Caro, director de obras como “No sé si cortarme las venas o dejármelas largas”, “Amor de mis Amores”, “Elvira, te daría mi vida pero la estoy usando”. Caro, año tras año se hizo de un publico y seguidores, ya goza de buen éxito, es conocido y apreciado, no en balde Netflix le encargó recientemente una serie para la plataforma.

Lucio y Martina se conocieron y enamoraron en su juventud, tras varias intrigas y hechos se separan abruptamente, veinticinco años después se reencuentran, la situación desencadena recuerdos y situaciones.

Es evidente que Manolo Caro ha evolucionado como realizador, siempre ha poseído gusto por la estética y eso se ve en sus trabajos y en este no es la excepción, la dirección de arte, locaciones, vestuario (le ha de ver costado caro), el manejo de espacio y tiempo es algo que opera perfectamente y es parte de su firma. La Vida Inmoral de la Pareja Ideal no se manejó como comedia pero termina siendo una de humor negro, y le queda bastante bien, es divertida, y aunque la trama principal no es tan dramática, se agradece el humor porque si no fuera por esos instantes la cinta sería insufrible. Los personajes están bien definidos pero a veces cuesta trabajo entender a los jóvenes enamorados, a la amiga, o al maestro. Faltó sostener el por qué las personas no cambian tras veinticinco años y se sigue siendo o pensando como cuando se tenía diecisiete años como se dice en la obra. Faltó proponer el porque no hay cierre de ciclos tras veinticinco años. Es decir, muchos podríamos saberlo, quizás hasta lo hemos pensado con respecto a cualquier situación (amistad, relación, trabajo, proyecto) pero faltó una propuesta mayor de esto, si se hubiera dado quizás la obra hubiese sido muy superior.

Con respecto al nudo, engloba una cena bastante peculiar y a la vez confusa por tantos datos y escenas del pasado que cuesta trabajo ligar. En cuanto al desenlace, quizás merecía unas escenas extras para tajar las vidas y congraciarse en su totalidad con los seres queridos o personas de su alrededor.

Por su parte, el elenco adulto está excelso, el juvenil se tambalea en ocasiones (he de confesar que me sorprendió la única niña en el película, Nina Rubín Legarreta, está muy bien). Pero todos arman momentos que pueden quedar como icónicos en la filmografía de Manolo Caro, como la cena o el baile.

Quizás el punto más fuerte es el estupendo soundtrack que acompaña las escenas y está bien equilibrado con la edición. Soda Stereo, Los Prisioneros, Yamil Rezc, Thalia, Julieta Venegas, Caifanes, Radio Futura, entre otros engalanan con obras como “Veneno en la Piel”, “Soy virgen y soy leal”, “No dejes qué”, “Estrechez de corazón” (la principal) por mencionar algunas.


Hace un año ya lo había comentado, Caro necesita una obra que lo lance hacia la cúspide para consolidarse en su totalidad. Los críticos no le hacen el feo pero necesitan algo sorprendente, por su parte el publico seguirá apoyándolo con lo que ofrezca. La Vida Inmoral de la Pareja Ideal no es esa, pero sí es un acercamiento, quizás leve, pero ya es algo.



¡Playball!

Columna publicada el día 26 de Octubre del 2016 en El Sol de Mazatlán

Ayer fue el día. Ayer dio inicio The World Series. Los Cubs de Chicago tras 108 años ingresan a una Serie Mundial, los Indians de Cleveland tienen menos tiempo de haber entrado, 19 años, mas no han ganado desde hace 68 años y este año dicho condado ganó la liga de la NBA. En el mundo de la ficción Ricky Vaughn de Major League (1989) y Henry Rowengartner de Rookie of the Year (1993) se enfrentan. Metáfora actual de la situación, los dos equipos traen grandes lanzadores. Uno de los dos eternos perdedores se coronará y como aficionados esperamos que sean encuentros memorables, que se vayan a extra innings, que se extienda la serie hasta el séptimo juego y que el final sea dramático y honroso para los dos equipos.

El Baseball ofrece historias sublimes fuera de la pantalla y dentro de ella, quizás no hay otro deporte con tal cantidad de películas y el tema ha desencadenado cintas de varios géneros y para todas las edades.

Para los pequeños una de las preferidas es “The Sandlot” de 1993 (Nuestra Pandilla en español) aquella historia de un verano en donde un grupo de amigos se juntan para jugar todos los días hasta que una pelota firmada por Babe Ruth se vuela al otro lado de la cerca donde vive un viejo amargado con una “bestia”.  Otros ejemplos para toda la familia con un buen tema, desarrollo y memorables son “The Perfect Game”, “The Rookie” y una de mis favoritas “Little Big League” donde un chico hereda un equipo y tiene que entrenarlo.

Para los de mayor edad, hay otras placenteras  y buenas películas como “42”, “Field of Dreams”, “The Natural” el documental “Catching Hell” sobre el aficionado que alcanzó una pelota de foul e impidió a los Cachorros de Chicago avanzar a la Serie Mundial en el 2003. El lado femenino no ha sido tan representado, la mas recordada es de 1992, “A League of Their Own” protagonizada por Tom Hanks, Geena Davis y Madonna, antes la pasaban mucho por cable, hoy en día ni sus luces. La predilecta en los últimos años es “Moneyball” con Brad Pitt, tiene buenas actuaciones, conocemos el mundo de los negocios, de transferencias, hay jugadas interesantes. Muestran al Rey de los Deportes desde otro ángulo. En dicho film dictan “Uno tiene que enamorarse del Beisbol”. Estuvo nominada a varios premios Oscar y tiene el reconocimiento de varios cinéfilos y de los apasionados del deporte. Es sublime.

Por otra parte, están los actores fanáticos que gustan protagonizar cintas del tema como Kevin Costner (recientemente prestó su voz para Fastball, documental que ya se encuentra en Netflix) o Charlie Sheen (querían que el fuera el encargado de tirar la primera bola). Muchos muestran su fanatismo dentro de alguna escena como Sandra Bullock en “Two Weeks Notice” en el 2002 (Amor a Primera Vista) donde el personaje de Lucy extendió el abrazo y le robó la oportunidad de un out a su equipo de los Mets “hey, a la próxima vayan a un partido de los Yankees” le reclama un jugador (un año después sucedería lo del aficionado de Chicago). O Ben Affleck, en una escena en “Gone Girl” donde porta una gorra, originalmente el director David Fincher le había dicho que usara una de los Yankees a lo que Affleck, quien es fanático de los Red Sox, respondió “David, te estimo, pídeme lo que sea menos eso, por ningún motivo usaré esa gorra“. Pasaron 4 días para que se volviera a retomar la filmación debido a ese asunto, la gorra fue sustituida por una de los Mets. ¡Imagínense, es como ponerse una gorra de los Tomateros siendo de Mazatlán! 

Para cuando lean esto, sabremos quién inició ganando, muchos dirán: “¡Los Cubs ya merecen ganar, además son los favoritos!” (Por un año de diferencia no coincidió con lo que diría Volver al Futuro ll sobre ganar la Serie Mundial en el 2015) o “¡Los Indios de Cleveland también tiene lo suyo!”. El resultado podría gustarnos o no, o simplemente podría llenarnos de emoción, son días a disfrutar (nuestra Liga Mexicana del Pacifico brinda esta emoción hasta enero). En fin, tome su manopla y pelota, llega el juego dos ¡Playball!

   
                                              

martes, 25 de octubre de 2016

Inferno

Crítica publicada el día 19 y 20 de Octubre en El Sol de Mazatlán y ADN Morelos.

Recuerdo la sensación que causó El Código Da Vinci allá por el 2004 aproximadamente. Fue tanto el hit y trauma, y en algunos desconocimiento, que muchos pensaron que era real, que lo que se narraba era cierto. Muchos comenzaron a leer la saga de Dan Brown a raíz del primero mencionado,  sin embargo, Ángeles y Demonios había sido la primera entrega. En fin, Sony adquirió los derechos y desarrolló la primera película de Robert Langdon sin orden. Tras un largo descanso y un proyecto aún sin concretar (El Símbolo Perdido) se decidió saltar el tercero y se optó por la siguiente novela, es decir, el cuarto libro, Inferno.

Robert Langdon, el famoso profesor de simbología (Tom Hanks) se encuentra tras el rastro de una serie de pistas conectadas con el mismísimo Dante. Cuando Langdon despierta con amnesia en un hospital italiano, hará equipo con Sienna Brooks (Felicity Jones), una doctora de la que él espera le ayude a recuperar sus recuerdos. Juntos recorrerán Europa en una carrera a contrarreloj para desbaratar una letal conspiración global.

Quizás lo más interesante de la obra es que se hayan “aventado” a realizar otra (cuando tienen otras en espera como la continuación de “La Chica del Dragón Tatuado” un film bien realizado por David Fincher). El director de las anteriores, Ron Howard, repite su papel. El Código Da Vinci con tantos datos sumió en la confusión y aburrimiento; Ángeles y Demonios fue una mezcla de datos y acción; habrá que ser sinceros con Inferno, es la menos fiel al texto original pero, con todo y sus fallas, funciona mejor a nivel entretenimiento que sus antecesoras. El inicio es lo más intrigante de todo el largometraje y por ello atrae la atención inaugural; pasa por algunos momentos deleitables cuando de acción se trata; el mayor problema es que sí cae en efecto somnífero, para luego levantarse y volver a caer y levantarse, y así estar constantemente hasta el final que fue cambiado para hacerlo más dramático. Lo ideal hubiera sido mantenerlo igual, sobre todo la parte de la pandemia.

Como es costumbre, la ya franquicia goza de un reparto de ensueño, a Tom Hanks se le une la nominada al Oscar, Felicity Jones (si no la ubica, en Diciembre aparecerá en juguetes, revistas y más, pues es la nueva heroína del Spin-Off, Rogue One: Una Historia de Star Wars) así como Ben Foster, Irrfan Khan, Omar Sy y Sidse Babett Knudsen. La fuerza actoral de cada uno hace que las escenas y sentimientos sean más potentes y atraigan en sus papeles, así pues, los paisajes arquitectónicos, los tour turísticos, viajes a otros países y lección de historia (o literatura) crean un magnetismo visual hacia la pantalla. Dependerá si le gusta estos elementos en su vida para que no desvíe la atención.


No se ha confirmado una siguiente cinta, pero sí un nuevo libro sobre Robert Langdon. Originalmente ni Hanks ni Howard tenían pensado regresar, pero helos aquí. Sin embargo, tras Inferno, al profesor de simbología le podría quedar vida en hoja de papel, pero en pantalla grande su paso ha sido abrupto.


Kubo y la Búsqueda Samurai

Crítica publicada el día 12 y 13 de Octubre en El Sol de Mazatlán y ADN Morelos.

¡Ya denle un Oscar a Laika Studio! Bueno, realmente no necesita de un premio para obtener reconocimiento o valoración pero sí del impulso mediático que da el susodicho y Laika necesita ligeramente de esto para que las personas conozcan su obra, y es que, aunque gocen de buena distribución es hiriente ver que las salas no se llenan por completo cuando así debería de ser. La productora - ¡Cada vez mejor! - ha realizado cintas como Coraline (2009) nominada al Oscar a Mejor Película Animada; ParaNorman (2012); y Boxtrolls (2014), también nominada al Oscar. Ahora, se espera que obtengan un resultado similar y por fin un premio por Kubo y la Búsqueda Samurai, la cual es una belleza.

Kubo vive tranquilamente en un pequeño y normal pueblo hasta que un espíritu del pasado vuelve su vida patas arriba, al reavivar una venganza. Esto causa en Kubo multitud de malos tragos al verse perseguido por dioses y monstruos. Si de verdad Kubo quiere sobrevivir, antes debe localizar una armadura mágica que una vez fue vestida por su padre, un legendario guerrero samurái.

La narrativa es algo que está dentro de Kubo y así como mantiene expectante a sus espectadores dentro del film, también a los que estamos fuera de él nos embelese con su prosa, estilo y una historia bastante especial cargada de nostalgia, fraternidad, responsabilidad, virtudes y en contraposición constante debido a las fuertes experiencias que Kubo enfrenta, inocencia. Hay conocimiento en el tema y una investigación de las costumbres ancestrales y respeto por ellas, todas están plasmadas en una excelente animación Stop Motion muy superior a lo que hemos visto en mucho tiempo tanto del estudio o de cualquier otro que haya utilizado esta técnica. Visualmente es una obra mayor y quizás la mejor cinta animada del año, basta con ver y apreciar los detalles en las facciones, la preciosa escena inicial, el enfrentamiento entre “Simio” y “Las Hermanas” o cuando Kubo hace sus creaciones Origami para entender lo que el director Travis Knight y su equipo lograron. 

Existen una variedad de elementos que la acompañan hasta el final y son bastantes palpables, ya sea por lo mencionado, por la experiencia que se tiene en el viaje de Kubo, o debido a la opresión inexplicable en el pecho cuando empiezan los créditos: posee mucho corazón.

En cuando al doblaje, en inglés interpretes como Charlize Theron, Rooney Mara, Ralph Fiennes, George Takei, Matthew McConaughey, Art Parkinson dieron voz a los personajes. En México, últimamente algunos estudios tratan de regionalizar el proceso convirtiéndolo en algo “chapucero”. Alienta saber que Laika sigue los pasos de Disney y busca voces afables. Como parte del Star Talent, Cecilia Suárez (irreconocible) y Sofía Espinosa aparecen en el elenco con una técnica de altura. También hay que reconocer el trabajo de José Luis Piedra dando vida a Kubo.

Este fin de semana que asistí a la función, a mi lado un par de niños estaban ensimismados hacia la pantalla, de vez en cuando intercambiaban susurros y comentarios, en una ocasión su emoción llegó alto y expreso “¡me gusta esta película!”. Lo atribuí a mi sentir.


El hogar de Miss Peregrine y los niños peculiares

Crítica publicada el día 5 y 6 de Octubre en El Sol de Mazatlán y ADN Morelos 

La primera vez que supe del libro fue en el 2012. Al leer la sinopsis me interesó, lo compré, leí y a la par me enteré que Tim Burton haría la adaptación, al terminar el trabajo escrito por Ramson Riggs mi sensación tenía un dejo de decepción pues la idea era muy buena pero la narrativa y desarrollo era, en ocasiones, complicada y en otras tonta, burda e infantil. Cuando salió el tráiler de la obra siempre supe que iría a verla y no esperaba mucho de la historia (conozco sus baches) pero sí algo del director. Confieso que su transposición me dejó complacida.

Una horrenda tragedia familiar deja a Jacob (Asa Butterfield), de 16 años, viajando por una remota isla en la costa de Gales, donde descubre las ruinas del hogar para niños peculiares de Miss Peregrine (Eva Green). Mientras Jacob explora los abandonados cuartos y pasillos, se hace claro que los niños que allí vivieron (uno de los cuales fue su propio abuelo) no eran sólo peculiares. Pueden haber sido peligrosos. Pueden haber sido puestos en cuarentena en una isla desierta por una buena razón. Y, de algún modo, (imposible, al parecer) pueden estar aún con vida.

Tanto el libro como la película es aventura, autoconocimiento e incluso, cabe un poco el romance; contrario al libro, Burton hace saber la historia detrás de todo y todos de inmediato, incluso toma cosas del segundo y tercer libro para no dejar de lado detalles y no jugar con el espectador (y quizás, para tajar la trama en llegado caso de que no haya secuela). Aún así, el director pudo haber cambiado ciertos huecos en la historia o se pudo haber apropiado en su totalidad de ella con su estilo y no lo hizo del todo, al menos en argumento, pero lo que sí logra es un gran desarrollo de los personajes peculiares brindándoles más tiempo, espacio y personalidad. Todos son  personificados soberbiamente por un gran cast infantil y juvenil (destacando Butterfield, Ella Purnell, Finlay MacMillan y Lauren McCrostie). En lo que respecta a los mayores, sobresalen Eva Green (mostrando belleza y talento), Samuel L. Jackson y Terence Stamp. Sus personajes están mejor nutridos que el de Chris O`Dowd, padre de Jacob, quien queda desplazado en pantalla – algo que no sucede en el libro­–  así como Judi Dench, un desperdicio tenerla y no utilizarla debidamente.

No es el Tim Burton de los noventas, su envejecimiento como cineasta no le ha beneficiado mucho (pero tampoco es un desastre como otros quieren hacer creer) pero sí logra un trabajo más digerible al libro,  y quizás es una de sus mejores cintas desde hace mucho tiempo o al menos el tema hace que posea una libertad creativa que le permite utilizar un poco de su estilo, tomar referencias cinematográficas y Pop. Hubiera estado perfecto algo más fúnebre pero se entiende la decisión por mostrar algo ligero (mas o menos) pues es un film para niños que ante cosas oscuras y góticas podrían resultar inadecuadas para ellos.  En tanto, hay una cantidad de destellos Burtonianos como el uso de Stop Motion a la Jan Švankmajer de quien el cineasta es admirador, o un cameo que raramente se ve en él, el uso de esqueletos al ataque (utilizado en el video Bones de The Killers dirigido por él) inspirado en Jason and the Argonauts, la libertad de tomar el diseño de Slenderman para la creación de los monstruos que son diferentes en la obra original, algunas tomas similares como las que usaba en los noventas, una escena de ojos y digestión de ellos, o las conmovedoras escenas entre Jacob y su abuelo Abe, entre otras. El único gran “pero” es poco antes de concluir, los últimos quince minutos son excesivos dentro de los innecesario.


Sin mayores pretensiones, El hogar de Miss Peregrine y los niños peculiares es una agradable opción en la que podemos ver ciertos elementos obscuros o extraños, encontrar belleza en ellos y quizás dejar de temer a ciertos monstruos, vivir y disfrutar de una aventura, quizás la que quisimos tener en nuestra infancia.