domingo, 21 de octubre de 2012

Búsqueda Implacable 2

Crítica públicada el día 10 de Octubre del año 2012 en el periódico El Sol de Mazatlán.



Han pasado cuatro años desde que Liam Neeson nos sorprendió (y agrado) en el papel de Bryan Mills, quien fue capaz de hacer de todo para rescatar a su hija de una red de secuestradores. En la secuela regresa con más de lo mismo, todos estábamos emocionados por verlo de nuevo figurar y resolver acertijos como en la primera, se antojaba redundante pero divertido. Pero el cliché de que las segundas partes nunca fueron buenas se repite una y otra vez, y en este caso es con creces. 

Bryan Mills (Liam Neeson) es un agente retirado de la CIA con un entrenamiento de altísimo nivel, lo que le permitió rescatar a su hija de terroristas albaneses. Ahora, un familiar de esos terroristas jura venganza y toma de rehén a Bryan y a su esposa mientras estos estaban pasando sus vacaciones en Estambul. Allí es donde este agente debe poner en marcha todas sus habilidades para lograr escapar, él y su esposa, de las manos de estos peligrosos personajes. 

 Quizá la idea  de realizar una segunda parte no era descabellada. La primera gustó en todos los sentidos: vimos al actor protagónico como un autentico “bad-ass”, la narrativa era ágil, un guion bueno y entretenimiento de alto nivel. Era una película de acción para divertir (y de paso meter miedo a los padres  cuando los hijos viajan solos a otro lugar) y no aspiraba a más. Hacer una segunda parte requeriría un audaz y buen guion para quitarse el peso de la anterior. Cuando no se tiene es cuando  preguntas: ¿Por qué son tan valientes y se atreven a realizar este filme que a menos de cuarenta minutos pierde emoción?

Y es que la cinta es incongruente de pies a cabeza. Un trama pésimo, se busca “justicia” por parte de un  malhechor que “adoraba” a su hijo contrabandista (uno llega a pensar ¿por qué no le brindo una educación diferente?) y quiere venganza. Ponen  el típico estereotipo hollywoodense: todos los albanos son sanguinarios y provenientes de un negocio familiar de una red de trata de personas (es como decir que todos en México tenemos relación con el narcotráfico).  



En cuanto al papel de Neeson, sigue siendo el mismo padre perfeccionista  pero a quien ahora su hija y ex esposa respetan (a diferencia del otro filme). Pero  a nivel de actuación, la astucia que muestra en Búsqueda Implacable 1 no es la misma, se nota cansado y los movimientos de golpes son muy marcados (hay sólo un momento de pericia); lo que pasa al final es que esperas un nuevo truco o tan siquiera nuevos Gadgets.
Maggie Grace tiene un instante de acción, de hecho, si la película hubiera seguido ese rumbo sin equivocaciones mayores, hubiese dado un giro total e impresionado a los presentes. Ninguna actuación es retumbante.

He aquí el más grande problema: se esperaba que fuera un filme entretenido e inteligente como su antecesor. La expectativa es  mala en todos los casos de la vida. Búsqueda Implacable 2 es un desperdicio de dinero, tiempo y neuronas. No llega al churro palomero. Absténgase.

miércoles, 10 de octubre de 2012

Melancolía

Crítica publicada el día 3 de Octubre del 2012 en el periódico El Sol de Mazatlán 


Hace más de un año que se estreno Melancolía en el festival de Cannes, película dirigida por Lars Von Trier. Allí ganó el premio a mejor actriz (Kirsten Dunst); y su director fue expulsado del festival de por vida asignándole el mote de “persona non grata” debido a supuestos comentarios  antisemitas y a favor de Adolf Hitler (en Youtube se puede ver el video, y se aprecia que es una broma). Ahora, nos llega finalmente a pantalla esta obra que fue concebida mientras Von Trier  asistía al psicólogo para curarse de la depresión.

Justine (Kirsten Dunst) y Michael (Alexander Skarsgard) dan una suntuosa fiesta para celebrar su boda en casa de la hermana de la novia, Claire (Charlotte Gainsbourg) y de su marido (Kiefer Sutherland). Mientras tanto, el planeta Melancolía avanza hacia la tierra…



El director tiene una obsesión con ciertos temas (mujeres crueles, el deterioro del hombre y el fin del mundo) y su interpretación es casi siempre negativa hacia estos. En Melancolía, muestra su depresión en la metáfora del fin del mundo: Los pecados, virtudes, esperanza, tristeza que vemos en varios personajes  cuyas vidas dejaran de existir. 

No hay más personajes que los mostrados en la primera parte, incluso algunos dejan de aparecer. Sabemos que por ende la tierra se destruirá, no es un filme de acción para tratar de sobrevivir o hacer un “arca de Noe”, sino, un ensayo de vidas no perfectas que saben que están a punto de perecer.  La metáfora del planeta que danza alrededor de la tierra, que se vislumbra cerca  como un espectáculo de agonía para luego alejarse y retornar como la fabula que todos conocemos, lo que sucederá en nuestras vidas en algún momento: la muerte (el fin del mundo, incluso en otros sentidos que tienen que ver con escenarios mentales o de desprendimiento).  

La película está dividida en dos partes: la historia de la hermana que esta por casarse y, la de su otra hermana.  Las dos historias van de la mano y nunca pierde desenvolvimiento. Quizá hay un bache en “Justine”  pero se remienda  en la parte nombrada “Claire”, la tristeza y desilusión de una  se yuxtapone a la de Claire que es esperanza y lucha (por su hijo más que nada) pero al final nada se puede hacer (es como la vida diaria, el trabajo, la sociedad que consume y puede ser más fuerte que uno).


Es bien, una película depresiva, Lars Von Trier no planea mover fibras románticas ni moralistas, sino de hundimiento, pues quiere que estemos con él y comprendamos lo que vivió en su momento sombrío.  El director necesita atención. Y si bien,  no logra  tal acongojo como en “Antichrist”, “Dogville” o “Dancer in the Dark”; sí muestra un desarrollo en diálogos y ambientación mayor a sus obras anteriores. En el problema del personaje, el director se las arregla perfectamente cual director de orquesta, moviendo la batuta de un lado a otro.
Aunque fue Dunst la que ganó el premio de Cannes (y otros más), también Gainsbourg  acapara la atención con sus formas y sutileza, la actriz viene siendo la musa de Lars Von Trier desde su película pasada y la próxima protagonista de su siguiente filme. No es, sin embargo la que acopia las miradas de la prensa, mas es la más solvente y la que entiende mejor al director en lo que busca; no es  valerse de miradas tristes, sino de esencia.  Por otra parte, lo interesante de Dunst es que pocas veces la hemos visto en obras cinematográficas de este tipo (“Crazy/Beautiful” se rescata por ella), siempre encerrada en la monotonía Hollywoodense, se aplaude cuando pone entrega en otros filmes que le exigen mayor esfuerzo.  Sin duda el enemigo del director son las mujeres, pero también su más grande fortaleza cinematográfica.



En cuestión fotografía (Manuel Alberto Claro) el tono azul predomina en la obra, la más clara percepción de tristeza, alejamiento y vacio de algunos personajes. Hay escenas en Super slowmotion (ya usados por el director en  “Antichrist”, pero mejor logrados en Melancolía) que se intensifican gracias a la música clásica que inunda la pantalla (Von Trier no había usado tanta música en una película desde “Dancer in the Dark”)
Vale la pena ver las últimas obras del director por su oda a los sentimientos humanos como la  depresión y  tristeza a la par de cierta deshumanización; si se está estudiando psicología o psiquiatría, es un filme de ley para observar el comportamiento humano. Por otra parte, del punto de vista cinematógrafo será un filme que si no se va mentalizado para ver algo distinto a lo común en la cartelera no se podrá disfrutar (entender sí, no es tan complicado como parece). 


miércoles, 25 de julio de 2012

Colosio: El asesinato

Crítica publicada el día 18 de Julio en el periódico El Sol de Mazatlán.

El sexenio de finales de los ochenta para comienzos de los noventa es sin duda, por diversas circunstancias, uno de los más recordados (suena obvio escribirlo): fraude electoral, alzamiento de los zapatistas en Chiapas, y  asesinatos de un cardenal, un ex cuñado y  candidato a la presidencia. Este último, un caso que sin duda, chicos y grandes vivieron y platicaron sobre ello (aun recuerdo la mañana del siguiente día, yo cursando la primaria, fue de lo único que se hablo: “era el que nos iba a salvar de la crisis” decían  adultos y algún otro infante que repetía lo de sus padres). Un asesinato que, en papeles oficiales, sigue sin resolverse y en la vida real, la justicia no ha llegado. Carlos Bolado (Promises; Bajo California: El límite del tiempo) nos trae una cinta que une diversas hipótesis del caso. 

El filme se centra en México de 1994, con una rebelión indígena que cimbra al país. Tres meses más tarde, el candidato del partido en el gobierno es asesinado en un mitin en Tijuana, Baja California. Existe el desconcierto y será Andrés Vázquez, quien tratará de indagar el trasfondo de todo esto; sin embargo, su vida y la de muchos otros estará en peligro.


El director nominado al Oscar por el documental Promises, en colaboración con Hugo Rodríguez y  Miguel Necoechea, nos traen un guión que fue terminado gracias a libros, videos y se dice, unas dos mil hojas del informe de la fiscalía sobre el caso Colosio. La película aborda tanto personajes ficticios (quienes sortean la suerte  de algunos personajes reales)  y algunos verídicos como: José Francisco Ruiz Massieu, José María Córdoba Montoya, Mario Aburto, Fernando Gutiérrez Barrios, entre otros. 

La cinta costó 62 millones de pesos, y  fue financiada con  8% de capital del gobierno (Panista) y con 450 copias a nivel nacional (un número poco común en producciones nacionales) es evidente cuál es el doble sentido de su exhibición. Sólo que se equivocaron de mes de estreno, debió de haber sido a mitad de campaña. 



El filme toca la hipótesis que a todos nos rodea en la cabeza sobre la gran pregunta de la política mexicana en la década de los noventa: ¿Quién mató a Colosio? (añadiría ¿y por qué?). Es un ejercicio de libertad de expresión, que dejará mella  por su tema que antes no había sido tocado, que está latente en estos tiempos a raíz de las recientes elecciones presidenciales  y entrevé las mañas de un partido político amañado y maquiavélico próximo a regresar a la presidencia.  Si bien, es una opinión “documentada” de los artistas visuales, no es algo “oficial” (aunque en el subconsciente colectivo se cree lo mismo que  plantea el filme). Se agradece que no se caigan en  frases estereotipadas que en algún momento el cine concibió y se tornó caricaturesco, Colosio es algo más maduro en ese aspecto. 

La  cinta se mueve en gran medida a las buenas actuaciones de decenas de actores que dan vida a personajes reales, bien estructurados en la narrativa. Cabe destacar a Daniel Giménez Cacho como el Doctor, o la actuación de  Harold Torres en su triple personificación de los varios “Aburtos” que aparecieron en escena.  Sin embargo, aunque se entiende la labor del protagonista interpretado por José María Yazpik,  pasa a ser al final, algo incongruente. Se sabe que el punto objetivo no tiene lugar en esta película, y los personajes ficticios forman parte de ese inciso para  manipular a la audiencia y a la vez, mostrar los hechos. 


Salvo por una toma en gran plano general en reversa (si fue intencional, no entiendo porqué), en cuestión de aspectos técnicos es de lo mejor que he visto últimamente en filmes mexicanos. Los contantes desenfoques y tomas de detalles logran una ambientación llena de perspicacia y  tensión; también  hay un gran trabajo en vestuario y de dirección de arte: en utilería se ven artefactos de la época tales como Bipers, Super Nintento, celulares con antena (apodados “de ladrillo”), incluso en las calles se ven los anuncio de “¡Si!”, que formaron parte de la campaña de Luis Donaldo Colosio (también hay del ya inexistente Partido Demócrata Mexicano).

Lo raro de esta película es que no ha causado conmoción como otros estrenos (El Infierno hace poco más de un año), o  puede ser que las personas no les agrada el tema y están hartas de política (lo dudo, he ido a dos funciones y hay gente sentada en las escaleras); o que al espectador no les cause novedad este tipo de películas y se estén acostumbrando a la absurda comedia rosa nacional (esperemos que no); o son los medios no quisieron hacer mucho alarde sobre este filme que sin duda desmeritaría al partido tricolor en los comicios electorales. Esperemos que  la libertad que tiene esta película de unir piezas y conclusiones no se vea coartada en unos meses o años más, tal como pasaba hace un par de sexenios. Pero creo que no hay que preocuparnos, los tiempos ya cambiaron  ¿o no?


sábado, 19 de mayo de 2012

De esas veces que te das cuenta que hay esperanza









 

Muerete silencio, largate murmullo
despierta voz baja, hasta luego arrullo...
que nadie nos opine respecto al destino
que nuestro alarido resulte asesino.
Que ante nuestro grito los Beatles parezcan
monjas encerradas que en silencio rezan...
quien los (no se) ensordezca es que sordo esta
 

NOTA: LAS FOTOGRAFÍAS NO ME PERTENECEN. SON SACADAS DE TWITTER Y TOMADAS POR PERSONAS EN LA MARCHA.
 

miércoles, 16 de mayo de 2012

Historias Cruzadas


Crítica publicada en el periódico El Sol de Mazatlán el día  9 de mayo del 2012

El melodrama nos encanta, admítannoslo, de una forma u otra. México vive hipnotizado (e idiotizado) con telenovelas; cuando se trata de saber la vida de otros y sus penas ponemos toda la atención del mundo. Pero hay ciertas obras que logran sacarse esa imagen y salen avante, pues mantienen una responsabilidad con el discurso y el público, no es engañar a éste sino transmitir sentimiento y mensaje.

Mississippi, años 60. Skeeter (Emma Stone) es una joven que regresa de la universidad decidida a convertirse en escritora. Después de una serie de discrepancias y vicisitudes entre sus conocidos, Skeeter se propone entrevistar a mujeres de color, las cuales han pasado su vida entera al servicio de grandes familias y sufriendo (en la mayoría de los casos) discriminación racial. 


 Kathryn Stockett, autora del libro The Help, fue rechazada sesenta veces por editoriales. Meses después su libro fue bien recibido con moderado éxito y luego se convirtió en bestseller. ¿Qué tiene un libro o película de estas particularidades que tanto emociona a las personas? El tema es muy humano, habla sobre el periodo del cual algunos norteamericanos siguen avergonzados por el trato racista a los afroamericanos (este año vimos una puerta abierta con la personificación de Demian Bichir como  inmigrante, en unos 30 años quizá veamos una película como ésta con respecto al tema). Al tocar el tema de la intolerancia, pues la mayoría tenemos algún amigo “diferente” (género, religión, país, color, etc.) nos mostramos sumamente compatibles con las imágenes. De ahí el por qué la frase “You is kind, you is smart, you is important” se ha vuelto inolvidable. 

Historias cruzadas se desenvuelve y lo hace bien, en un tema social, vigente aun en varios aspectos y países. Desde la independiente mujer hasta la mujer cohibida. Quizá sea lo original de este filme, pues al contrario de otros como La Sonrisa de Mona Lisa (Julia Roberts), Historias Cruzadas  sustenta la raíz de la fortaleza femenina, y como no, también del amor de un hombre por una mujer y la equidad de géneros.



Además, la película es un éxito gracias al reparto; personajes ricos en mensaje, ideología y esencia. Una correcta Emma Stone en su papel como la debutante escritora esperanzada en retratar las vivencias de lo que le parece incorrecto; Una increíble Viola Davis con su sucumbido  personaje sobresale con una formidable actuación; Octavia Spencer en cuyo papel enternece y se vuelve nuestra ídola; Jessica Chanstain muestra un personaje extrovertido, tierno y amable; por ultimo Bryce Dallas -Howard como la “villana” que hace todo por el “bien” propio y de la sociedad. 

Es en sí lo que vemos en pantalla, son historias, pues no es solo una, sino varias que se conjugan para mostrarnos sensibilidad, son de esas cintas que cuando sales de la sala lo haces con satisfacción. De los filmes que cada vez que se mencione alguien dirá “esa cinta es buena”.



 La película es bien plateada de principio a fin, ágil en narrativa y adecuada en aspectos técnicos como vestuario, locaciones y fotografía. Cabe recordar que la cinta fue nominada a varios premios de las asociaciones de críticos de cine de Estados Unidos, así como cuatro nominaciones al Oscar, ganando Octavia Spencer el de mejor actriz de reparto. 

En una sociedad donde lo diferente, lo rebelde, lo impensable no forma parte del vocabulario del día a día, un poco de compasión no vendría mal. Cuando termine la función, mire dos veces al vecino de al lado. ¿Le sigue pareciendo desigual? 


miércoles, 9 de mayo de 2012

Cristiada

Crítica publicada el día 3 de Mayo en el periódico El Sol de Mazatlàn

Si bien el arte es subjetivo, algunas obras que se conciben con toda intención de crear conciencia, explicar o manipular sobre algún hecho o situación. Existen temas complicados que a veces se tocan superficialmente, y de vez en cuando un valiente se lanza a realizar algo fuera de los límites permitidos; aplaudimos a quienes lo hacen. Sin embargo, los temas religiosos son los más complicados de digerir, independientemente de la religión que se profesa, se corre el riesgo de parecer ateo o fanático religioso. El problema es que, al parecer solo existen estas dos vertientes para la mayoría de los que hablan sobre religión, falta objetividad. Después de un tiempo, aparece la reproductibilidad técnica (usemos solo esa calificación de Walter Benjamin) donde la obra se esparce; he ahí el problema, hay trabajos que tienen toda intención de manipular (disculpen, voy a usar mucho esta palabra en este texto) a sociedades que aun están pobres de autocritica. 

Basado en el libro de Jean Meyer “La Cristiada”, la película narra del hecho histórico donde un grupo de ciudadanos de México se levanta contra el gobierno de Plutarco Elías Calles  por el derecho de profesar sus creencias religiosas.


 No es algo que todos sepan en México, no se mencionan en los libros de texto de la SEP (al menos hasta el año 1999 que fue cuando salí de primaria). El hecho es importante porque, al terminar la revolución este breve levantamiento se produjo, solo que muchos revolucionarios se hallaban estables, la guerra trajo muchas muertes y violencia al país que a la vez, empezaba a tener buenas relaciones con muchas naciones del mundo (entre ellos Estados Unidos) por lo que no se quería sufrir otro conflicto armado.

 Hasta lo anterior vamos bien, cuando se supo de la realización de esta película y empezaron a salir las primeras fotografías del rodaje, causó expectación. Sin embargo el contexto histórico se ve vapuleado en la cinta. No es un  filme que quiso ser objetivo, superficialmente quiere serlo, pues el discurso de libertad de expresión y  creencias es tocado y dicho muchas veces; sin embargo, la edición de las imágenes muestra otro. 
 
Es un intento malo y férreo de crítica al partido que se mantuvo setenta años en el poder ¿Qué tiene de malo esto? Nada, todo lo contrario. Solo que para los próximos fines electorales es una oda a “ese otro” partido político que está en el poder en estos días, pues ha permitido que la iglesia opine de política y se meta en esos asuntos. La película es manipuladora en imágenes (a un niño lo torturan y personas a mi alrededor lloran, pero cuando llega la hora de la venganza el público pide sangre por tal horrible hecho ¿Y su calidad católica?) Es manipuladora en su contexto religioso y dialogo, lo cual es peligroso porque un filme, por su calidad masiva, llega más rápido que las palabras en un libro (donde se puede explicar claramente todo).
La religión (como la percibo) es amor, responsabilidad y fe. Nada tiene que ver con lo que se nos plantea la cinta; solo se salva el derecho de exigir la libertad de creencias, pero hasta eso  se salió de las manos.

Pensé que en aspectos técnicos la cinta presentaría una manufactura diferente, pero dijera un amigo, tiene la misma calidad que una película de Los Hermanos Almada.  Estoy casi segura (ojo: puedo equivocarme) que hay una partitura idéntica a la del Señor de los Anillos, el resto no está acorde con las escenas; la fotografía es típica, resalta los paisajes de Durango. Todo lo anterior (y más) se logra “gracias” a la dirección de Dean Wright, guion de Michael Love y edición de Richard Francis- Bruce quienes logran que la cinta se vuelva insufrible por duración y por mensaje coral. 

Los actores, la mayoría hispanohablantes, fueron comandados para hablar en inglés en una película que debió ser en español (menos falsa hubiese parecido); el idioma hace que  frases como “Tulita” “Viva Cristo Rey” o “niño”, se escuchen fuera de lugar. Andy García fue forzado a hablar un inglés mediocre mientras que Santiago Cabrera  lo habla perfectamente.  Ninguno de los actores brinda una actuación especial, unos cumplen con su deber (Catalina Sandino Moreno, Santiago Cabrera, Mauricio Kuri), algunos están mal colocados (el personaje de Peter  O´Toole parece pederasta) y hay otros que nada tienen que hacer allí (Eva Longoria).  

Mala película con un tema interesante pero erróneamente ejecutado. No se tocó las reacciones en el extranjero, ni que el Vaticano ignoró la causa (se hace mención en dos diálogos, nada más); por ejemplo, tres puntos de vista expuestos y desarrollados en el guion hubiesen sido mejor en vez de presentar hechos aislados pero unificados en la cinta. 

Aún sigo esperando que llegue una película de este suceso con una verdadera estructura argumental y que no se deje llevar por sentimentalismos. Por lo pronto, entra en mi lista de las peores cintas de este año. 

Dedicatoria especial a Lalo Campos (por darme dos ídeas para la crítica y por que comparte el punto de vista)

domingo, 6 de mayo de 2012

Ohtheirony

Perdón, esto me causó gracia hace días y yo me estaba carcajeando sola en mi cuarto del cual se escucha todo lo que se dice en la casa de al lado. Llega el sobrino de unos veintitantos con su tía de unos cuarenta.

-tía, voy al cine -dice el sobrino.
-¿cuál vas a ver?-pregunta la tía
-los superhéroes!
-¿cuál?
-los superhéroes
-.... los vengadores!!!

O.o

viernes, 4 de mayo de 2012

A los locos, a los rebeldes, a los problemáticos...

Here's to the crazy ones.
The misfits. The rebels. The troublemakers.
The round pegs in the square holes.
The ones who see things differently.
They're not fond of rules.
And they have no respect for the status quo.
You can praise them, disagree with them, quote them,
disbelieve them, glorify or vilify them.
About the only thing you can't do is ignore them.
Because they change things.
They invent. They imagine.
They heal. They explore. They create. They inspire.
They push the human race forward.
Maybe they have to be crazy.
How else can you stare at an empty canvas and see a work of art?
Or sit in silence and hear a song that’s never been written?
Or gaze at a red planet and see a laboratory on wheels?
While some may see them as the crazy ones, we see genius.
Because the people who are crazy enough to think they can change the world,
are the ones who do.
(Advertisement for Apple Computer,
adapted from the writings of Jack Kerouac)

jueves, 3 de mayo de 2012

Tan fuerte y tan cerca


Crítica publicada el día 25 de Abril en el periódico El Sol de Mazatlán 

Algo debe de estar pasando con los ejecutivos de las grandes empresas cinematográficas, así como en la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas (quienes entregan el Oscar) y sobre todo, los escritores y guionistas deben de estar pasando por un periodo duro para concebir ideas. Con menos presupuesto y en otros tiempos, Tan fuerte y tan cerca hubiera sido una buena película, pero a causa de los problemas y evolución social que hemos presenciado (de los que hacen mención en el filme) nos causa nulo pragmatismo. Vamos, la cinta es cursi y tediosa de principio a fin.

Basada en la novela de Jonathan Safran Foer, la cinta trata sobre Oskar Schell, un niño precoz de once años, es inventor, diseñador de joyas, astrofísico y pacifista. Tras la muerte de su padre en los atentados del 11 de septiembre de 2001, Oskar encuentra un misterioso sobre con una llave y se lanza a la búsqueda de la cerradura que esa llave puede abrir.


En primer lugar, no la vi en el cine, una semana antes de que llegara a los complejos mazatlecos ya se podía rentar en videoclubes, así que me adelante. En segundo lugar ¿Qué es esto? ¿Por qué una cinta de esta manifactura logró colarse (junto con Caballo de Guerra) a la categoría de mejor película en los Oscar, habiendo mejores (Damas en Guerra, La Chica del Dragón Tatuado  o las rechazadas como Drive, We Need to Talk About Kevin)? Pocos fueron los festivales que la nominaron y obtuvo alrededor de cinco premios internacionales (en realidad los galardones no importan). La respuesta a la segunda cuestión es que toca la fibra sensible de los ataques terroristas de Septiembre del año 2001.

Dejando de lado lo anterior, dos son las únicas solvencias que veo en el filme: el niño (Thomas Horn, estupendo), el cual es increíblemente molesto, pero ese detalle  forma parte de la personalidad obsesiva del personaje; el otro punto es el adulto que no habla, a quien le denominan, el inquilino (Max von Sydow, nominado al Oscar por su interpretación). Cuando los dos se juntan en la trama, se marca una dirección diferente en el filme (aunque predecible), rompe con el letargo al que estábamos sumergidos. Esos dos personajes se enriquecen por la mutua compañía (y nosotros damos un respiro en la sala).


Fuera de eso, los aspectos técnicos son satisfactorios, más no sorprendentes. Los típicos actores y clichés americanos (para forjar el patriotismo) interpretando a los “grandiosos padres de familia” son Tom Hanks y Sandra Bullock (no me creo el cuento de la pareja enamorada y progenitores  ejemplares del irritante niño) no lucen como en otras películas, y la historia es por demás repetitiva, quizá lo único interesante es la fabula de “cada uno tiene una historia que contar” que concluye con la serie de fotografías que Oskar obtiene de esas personas a quienes visita para encontrar lo que busca.  

La cinta, ni siquiera al público Estadounidense le causó sentimiento. Paso desapercibida. Y después de la nominación, aun más; los intentos de publicidad mediática no funcionaron con este filme.

¿Película familiar? No lo creo, estar sentado por dos horas y ver a un niño malcriado y prepotente renegar de su vida y familia (eso sí, con buena actuación de su parte). Creo que no es lo más adecuado. Mejor espere a que llegue a cartelera nuevos filmes o de plano, rente otra cosa, hay mejores historias. 


El Artista


Crítica publicada el día 18 de Abril en el periódico El Sol de Mazatlán.

Sigo pensando que esta cinta muda en blanco y negro,  no despertó ni despertará diversión o alegría a la mayoría de  los espectadores actuales de las salas de cine. Para ellos las películas no son más que meros momentos de regodeo y olvidan que es arte. Solamente  aquellos románticos y nostálgicos les causará un pequeño sentimiento al ver el filme.  Y es que, seamos sinceros, estamos acostumbrados a tanta faramalla que los placeres sencillos son difíciles de degustar; a eso se le agrega los ingredientes como argumento, trama, empatía e incluso pretensión a un filme que eso sí, es una oda admirativa a los inicios de la cinematografía Hollywoodense.  

Hollywood, 1927. George Valentin (Jean Dujardin) es una estrella del cine mudo. Con la llegada del cine sonoro, su carrera corre peligro de quedar sepultada. Por otra parte, Peppy Miller (Berenice Bejo), empezó como extra al lado de Valentin, pronto se convierte en una estrella del cine sonoro. 
El Artista fue la maravilla del año pasado en las  premiaciones, siendo la cinta francesa más galardonada en la historia. Ganó la Palma de Oro en el festival de Cannes por la actuación de Jean Dujardin, y fue la máxima ganadora de los Oscares el pasado febrero: cinco estatuillas por mejor película, director, actor principal, música y  vestuario.


Lo curioso de la cinta francesa con algunos actores franceses (los protagonistas) es que se centra en la vida Hollywoodense, haciendo honor a los inicios del cine en Estado Unidos y olvidándose de que ellos (Francia), pusieron  en gran medida aportaciones (y descubrimiento) al cine; es cierto, tenemos más películas que se nos vienen a la mente del país vecino que del país franco (El Gran Dictador, El Nacimiento de una Nación, de Francia recuerdo El Jorobado de Nuestra Señora de Paris pero es solo por la proximidad y la propagación)el dinero y reconocimiento viene de Estados Unidos y hacer un homenaje de esa magnitud ayuda bastante a lo que se pretende.

La ingenuidad de los primeras cintas cinematografías está presente en El Artista, tiene todos los instrumentos de las que películas mudas y clásica; el protagonista masculino es un caballero con moral y valores; la protagonista cuya belleza angelical es absorbente, no necesita el sex-appel pues ser soñadora y romántica vence todo, incluso a la gran industria; son acompañados de  una serie de personajes secundarios como el mayordomo fiel, compañeros de trabajo, los jefes y la simpática heroica mascota.  Lo que vemos en pantalla es lo previo a la evolución que tenemos hoy en día en las pantallas, el director realiza un homenaje al pasado.  

No está mal, pero no encuentro la diferencia de esta película a otras que  ya se han visto cientos de veces, sin contar que por allí se insinúa un breve plagio (A Star is Born), si uno se deja llevar, la cinta tiene la sencillez para adorarla, sin embargo, cual filme de esa época a mitad del camino cae en el bache (no sé si fue intencionalmente) en el que es realmente difícil no bostezar.  Si la película no la precediera la magnitud publicitaria que obtuvo, dos cosas hubiesen sucedido (aunque pensándolo mejor, quizá ocurra): Gustaría como un homenaje y se hubiera designado de “bonita” y luego pasaría de lado como “una más”.
Eso sí, la actuación de Jean Dujardin, es simpática, el actor es un cómico conocido en su país, acostumbrado a utilizar su lenguaje corporal y facial en gran medida. Berenice Bejo  hechiza la pantalla con su ser, hasta Uggie, el perro de la película se lleva gran parte de los aplausos (ojo con su escena heroica), los otros actores están a la altura, ellos son John Goodman, Missi Pyle y James Cromwell.  En este aspecto, ovaciones.

La última cualidad aplaudible es la música de Ludovic Bource. Para que una película muda funcioné la música tiene que ser la importancia técnica más importante. Hacer énfasis en los  momentos cómicos, tristes, dramáticos y de acción, de esa forma el espectador se traslada al momento.
Repito, no es mala, es bastante singular en nuestros días,  pero hay mejores películas mudas o incluso clásicas sonoras que ver antes de esta cinta que hace honor a esas que digo. Sin embargo, estoy de acuerdo que para saber hay que leer de todo, y para admirar hay que ver de todo, el ojo y la mentalidad critica se pulen a raíz de ello. 


martes, 1 de mayo de 2012

AMLO 2012

Ah, si... esté lugar es AMLista (AMLO, PEJE, ANDRES MANUEL).





¿Y DE LA OTRA?

Pos nadie se acuerda.

domingo, 22 de abril de 2012

Poder sin Límites

Crítica publicada el día 4 de Abril en el Periódico El Sol de Mazatlán


¿Qué harías si consigues o tienes súperpoderes? Quizá esta sea la pregunta principal a plantear cuando vemos disturbios, injusticias e impunidades en el día a día de nuestras vidas. Diversos filmes como “Super”, “Kick-Ass” o “Griff The Invisible” han mostrado la hipótesis de personas cansadas de sus vidas cotidianas o de lo que pasa a su alrededor deciden volverse superhéroes. En Poder sin Límites (Chronicle, en ingles) la trama transcurre diferente a lo común en superhéroes de Marvel o DC comics, en esta película  los protagonistas adquieren poderes por razones inexplicables y poco concisas. 

Tres jóvenes se ven expuestos a una misteriosa sustancia en el bosque, y como resultado, empiezan a desarrollar increíbles poderes. Una serie de problemas personales los empezarán a poner unos contra otros.


 La película tiene el buen atino de no mostrar a jóvenes responsables con la adquisición de facultades sobrehumanas, por el contrario, son pubertos entusiasmados y  actuando a nivel personal, para ellos, nada más. Y aunque optan por mantener su secreto oculto, levitan osos de peluches para asustar a niños, o mueven un carro del estacionamiento para gastar una broma. A la par, el poder se pule y evoluciona, con ello, sus vidas personales, problemas y adaptación que acarrea ser adolescentes, pues no hay escuela de niños superdotados como en X-men, o no son millonarios a la Bruce Wayne, aquí es la “vida real”: adecuarse, morir o cambiar. Por ello, hay dos vertientes, o se vuelven villanos (problemas personales, rabia y temperamento contenido) o héroes (salvar a personas, enojarse por el mal uso del poder, entender la obligación que conlleva lo que ahora poseen), es decir, se convierten (debía de ser) en la visión que presenta la cinta, tener poderío sobrenatural conlleva a lo arriba mencionado. 

Tener tres protagonistas hace complicada la atención, aunque, al personaje que se le da más énfasis es quien produce la catarsis del filme. 

El uso de cámara en mano llamado Found Footage (diferente al mockumentary), me parece un mal atino pero entiendo el fin, más que trasladar y crear un efecto de empatía es por el dinero, al contar con un menor presupuesto  y tener que utilizar efectos especiales el formato se adapta para una baja calidad de audio y video. El poco capital con el que contaron fue bien ejecutado en la última pelea sobre los cielos y calles de la ciudad de Seattle (en realidad es Vancouver, allí fue filmada).  

Se dice que habrá una secuela, personalmente creo que acabaría con el idealismo y los principios básicos del filme, pero en fin, dinero es dinero. 

La cinta es por demás interesante, algo lenta, sin embargo, la historia es inteligente y sorprende en ello, acostumbrados a diferentes filmes de este tipo, Poder sin Límites abre la puerta a cintas bien pensadas  que combina fantasía, acción y realismo.