lunes, 13 de noviembre de 2017

Vuelven

Crítica publicada el día 8 de Noviembre en El Sol de Mazatlán y ADN Morelos.

Issa López ha dirigido películas como “Efectos Secundarios” (2006) obra que fue el primer indicio a la fase total del publico mexicano por su predilección a las comedias románticas. Ella escribió “Ladies Night” (2003), la cómica “Niñas Mal” (2007), y la taquillera “A la Mala”(2015). Luego se tornó muy diferente su participación en el cine, fue co- guionista de “600 Millas”(2015) y para este año ganaría el premio Mejor Director en el Fantastic Fest en Austin, Texas ¡Wait a minute! ¿De comedia romántica a fantasía terror? Si, y su saltó ha sido tan bueno que “Vuelven” nos hace decir: ¿Por qué tardaste tanto, Issa?   



Estrella (Paola Lara) tiene 10 años, y tres deseos: el primero, es que su madre desaparecida vuelva. Y se le cumple; pero está muerta y la sigue a todas partes. Aterrada, Estrella trata de escapar, uniéndose a una banda de niños huérfanos de la violencia. Pronto, aprende que en realidad, los muertos nunca se dejan atrás, y que cuando se vive en medio de la brutalidad y la violencia, si bien los deseos nunca salen como el corazón quisiera, sólo los guerreros sobreviven. 

Audiencia mexicana: olvídense de pedir todo literal como Hollywood nos ha mal acostumbrado, así como esperar miles de efectos especiales jactanciosos y muchos saltos de miedo (aunque, sí los hay).



“Vuelven” es una perspectiva diferente a la violencia en nuestro estado de derecho y social, contiene una especie de revancha con un ritmo ágil y absorbente. Es notorio que López ha adquirido “callo” para manejar producciones, así como para tomar temas más serios y transformarlos en cuentos. Hay varios puntos a enumerar que hacen que “Vuelven” sea la pequeña gran maravilla que es: 1) Su elenco infantil. Desbordan carisma, ingenio, inocencia (e incluso fin de ella), ternura y un trabajo de improvisación que causa impresión por varios sentimientos que se exploran en los personajes bien definidos. 2) La dirección de arte es un aplauso. Cada locación y la implementación que le realizaron se nota cuidada y es bien usada a favor de la trama (ojo a las escenas donde aparecen peces). 3) El maquillaje. Una de las cosas que podemos presumir ampliamente es que el mexicano se las arregla como puede con su talento e ingenio, además, el terror es algo que nos apasiona, y los momentos en donde este recurso se utiliza son de tensión, este elemento se vuelve fuerte por el envolvimiento del publico con la trama.   

No es perfecta, podría decirse que faltó indagar en el porqué de las circunstancias, aunque actualmente en las noticias, en los sucesos, en la vida diaria, con los feminicidios ¿Quién entiende el porqué del proceder de muchos? Hagamos ojos “ciegos” y demos por justificado ese detalle.



Por otra parte los efectos especiales es en lo que adolecemos aún, en una escena donde aparece una víbora hubiera funcionado más utilizar una real, sin embargo, un peluche que vemos más adelante les quedó muy bien y lindo en el resultado final.


“Vuelven” recuerda mucho a “Bajo la Sal” (2008) de Mario Muñoz, un trabajo muy infravalorado que con el paso del tiempo ha sabido ganarse adeptos. A dicho trabajo de Muñoz le ha pasado lo que la mayoría de obras cinematográficas con los años: adquieren el valor que valen. Lamentablemente en este mundo capitalista también se necesita valor económico inmediato para continuar trabajando y por ello es importante que se reconozca lo dulce, bello y cruel que “Vuelven” es, y se le apoye para continuar con este tipo de proyectos, necesita ganar ya en salas comerciales para poder expandirse y se le reconozca temprano su valía.

Coco

Crítica publicada el día 1 de Noviembre en el periódico El Sol de Mazatlán y ADN Morelos. 

El primer tráiler generó un poco de dudas. Coco se parecía ligeramente a The Book of Life (2014) de Jorge R. Gutiérrez y producida por Guillermo del Toro (que si no la han visto, deben de hacerlo). Es mas, cuando Gael García Bernal fue anunciado como una de las voces, inmediatamente se vio como contraparte de Diego Luna en la ya mencionada. Era tanto lo que se comentaba en contra que Gutiérrez tuvo que salir a decir que él esperaba la cinta; por su parte, uno de los directores, Lee Unkrich, preguntó en Twitter a los detractores qué problema veían con que se hiciera otra cinta de la celebración Día de Muertos de México. Muchas prejuiciosas comparaciones, solo quedaba esperar. Tras ver Coco, no podemos mas que respaldar la respuesta de Jorge este fin de semana: “Viva The Book of Life”, “Viva Coco”, “Viva México”; así como una entrevista que dio Gael donde comentaba que sería genial que se hicieran más películas del tema, de diferentes géneros, pero que se sepa más de la tradición y los diferentes puntos de vista.



La historia sigue a un niño de doce años llamado Miguel, que vive con su familia en una zona rural de México, cuyo sueño es la música y tocar la guitarra. Miguel desencadenará una serie de acontecimientos extraordinarios en donde la festividad del Día de los Muertos servirá como telón de fondo para que nuestro protagonista se pregunte de dónde viene, cuál es su lugar dentro de su familia, y cómo se han entretejido las relaciones familiares a través del tiempo.

La mayoría de las personas han perdido a un ser querido a quien se le recuerda y lleva consigo. Eso es Coco. Es el recuerdo de quienes se nos adelantaron. Es una tradición que en muchas partes de la república se celebra a lo grande. Es el respeto y admiración de elementos mexicanos sin caer en los estereotipos. Es un homenaje a México: Perro Xoloitzcuintle, alebrijes, música (tanto la escrita por el matrimonio Lopez, Germaine Franco en colaboración con artistas mexicanos como Camilo Lara, así como la compuesta por Michael Giacchino), a los artistas en varios ámbitos – sin caer en la sorna, hay un poco de burla a la veneración de nuestros abuelitos a ciertos ídolos del Cine de Oro mexicano– comida, piñatas y más. Por cierto, Pixar involucró elementos escondidos en otros elementos: Hay Piñatas de Toy Story y ¡Pizza Planeta en México!




Hay mucho más contexto en la historia de lo que se cree, aquellos que dicen que puede ser la más floja de Pixar, quizás están muy metidos en la cotidianidad de la personalidad mexicana y no le encuentran lo novedoso al tema pues somos locales y afines a lo que se ve; ojo a ello, puede llegar a confundir, pero es cuestión de perspectivas. Un ejemplo de lo que se comenta, es el matriarcado que la mayoría posee en su familia, en Coco, la mujer es un símbolo poderoso, de respeto y autoridad.

Sin embargo, habrá que ver cómo la abrazan en otros países, sobretodo el vecino anglosajón de Estados Unidos con los dimes y diretes políticos y sociales actuales. Fue bastante valiente Disney Pixar en lanzar una carta de amor para México en estos tiempos. En el aire se encuentra la pregunta: ¿Si nosotros hemos recibido bien a Ratatouille (2007) que se ubica en Francia o Brave (2012) que se desarrolla en Escocia? ¿Otras culturas harán lo propio con esta cinta? ¿Acaso un mal recibimiento económico tendrá que ver directamente con los valores de cada patria? ¿Con la percepción de la muerte en otros lugares?



Visualmente es impecable, muy colorida, muy bien cuidada y detallada. Se nota que la investigación de seis años fue grande y rindió frutos; le estación en el mundo de los muertos está basada en las edificaciones que se realizaron en la era del Porfiriato con estilo Art Nouveau; y hay mucho más en cada escena cuya narrativa es bastante ágil y digerible.


Igual, un análisis exhaustivo sería lo ideal al paso del tiempo. No es la primera vez que Disney toca a México (The Three Caballeros de 1944, por ejemplo) pero esta visión, que dará vuelta al mundo, es bastante conmovedora (¡Uff, vaya final!), divertida, promueve valores, brinda orgullo y gratificación por como se muestra la tradición.

El Seductor

Crítica publicada el 25 y 26 de Octubre del año 2017 en El Sol de Mazatlán y ADN Morelos, respectivamente. 

La propuesta original es una novela de 1966 de Thomas P. Cullinan. Su primer estreno en cines llego en 1971 donde el seductor sería Clint Eastwood. Este año, Sofia Coppola presentó su versión en el festival de Cannes. La cinta fue seleccionada para competir a la Palma de Oro como Mejor Película y Coppola ganó un galardón a Mejor Director (la segunda mujer en obtener dicha distinción en el festival). Me voy a arriesgar a decir esto, y quizás muchos coincidan conmigo: En los años recientes, el jurado en el festival posee mucho glamour, mucho status, mucho nombre pero a veces no se entiende su criterio. A lo menos, The Beguiled no debió optar al máximo galardón.



Un soldado de la unión es herido de gravedad durante la guerra civil estadounidense, pero, tras ser encontrado por una joven, es acogido y protegido en la escuela femenina en la que ella estudia. Allí se recuperará mientras acaba con la tranquilidad del lugar, pues intentará seducir a las mujeres que allí residen. Aunque, tras un terrible accidente, su situación se complicará todavía más y terminará cambiando su actitud. 

Desde el tráiler, El Seductor hizo uso de su nombre para atraer las miradas por varios elementos: actrices, directora y estética. Coppola maneja el lenguaje femenino con agilidad y sabe traspasarlo a la pantalla, además, el elenco es encabezado por Nicole Kidman (este es otro de sus años, le fue muy bien en la miniserie Big Little Lies y las críticas de su próxima película, “The killing of a sacred deer”, han sido positivas); seguida por Kirsten Dunst (consentida de la directora); Elle Fanning también se encuentra ahí (otra pupila de Coppola); el objeto del deseo (literal) es el ex ídolo juvenil, ahora ya convertido en actor serio, Colin Farrell; el resto es un elenco de jovencitas en las que destaca Angourie Rice.



“Entre mujeres podemos despedazarnos, pero jamás nos haremos daño”, por ahí se ha llegado a decir, y quizás entre en tema con el final de la película. Farrell como el Corporal McBurney llega a desestabilizar la armonía monótona que existe en dicha casa, a pesar de que hay guerra, las habitantes se mantienen alejadas un tanto de ello y solo tienen pocas interacciones con la situación, sin embargo, es un elefante blanco en su vidas. McBurney, de manera directa o indirecta las hace chocar y crea un conflicto que solo podría favorecer a una. De manera elegante y fría, sucede algo, el cual desata una coalición entre la mayoría.

No hay nada que refutarle al elenco, ellas están muy bien, es el guion el que resulta plano, no muestra el calor, ni la tensión, frialdad y temor que en varias etapas de la cinta se supone debe mostrar. El cast femenino entiende lo que se quiere, se comunica con Coppola y por ellas vale la pena ver esos 90 minutos de duración. Situación que no sucede con Farrell, quien se supone encarna al “chico malo”, su incolora actuación lo muestra como un target fácil de erradicar.  



Otro detalle exquisito es la estética. La locación, el vestuario, los peinados, y la fotografía que dichos elementos impulsan, crean un magnetismo entre el espectador y la pantalla que si no se entabla una relación con el tema, lo hará con quien sepa apreciar esto que se comenta.


El Seductor se creía que iba para más, pero lamentablemente se quedó en el proceso, aún así muestra comportamientos hipócritamente vulgares, de esos que son típicos en el ser humano.


lunes, 16 de octubre de 2017

Blade Runner 2049

Crítica publicada el día 11 de octubre en el periódico El Sol de Mazatlán y el 12 de octubre en ADN Morelos.

Cada generación tiene un evento cinematográfico o un interés Pop con el que se creció y lo abraza. Para muchos, Blade Runner (1982) de Ridley Scott fue uno de ellos, la cinta fue destruida por los críticos y le fue muy mal en taquilla en su tiempo, pero conforme pasaron los años, se hizo de culto. Entonces, es muy lógico que aquellos que crecieron con ella, y les movió fibras e hizo que sus bocas se abrieran, crean que no hay comparación. Sin embargo, otros no crecimos con ella, la vimos pero no dejó nada en nosotros (quizás porque ya habíamos disfrutado de otro tipo de ciencia ficción o efecto especiales) y tras ver Blade Runner 2049 pensamos que, al menos, estéticamente es mejor que su antecesora. Pero ¿por qué comparar? Ni yo sé, pero parece que es la discusión actual y obvio, cada uno defenderá de manera personal el actor, director, sentimiento, tiempo que les tocó vivir.



Han pasado 30 años desde los acontecimientos ocurridos en Blade Runner (1982). El agente K (Ryan Gosling), un blade runner caza-replicantes del Departamento de Policía de Los Ángeles, descubre un secreto que ha estado enterrado durante mucho tiempo y que tiene el potencial de llevar a la sociedad al caos. Su investigación le conducirá a la búsqueda del legendario Rick Deckard (Harrison Ford), un antiguo blade runner en paradero desconocido, que lleva desaparecido 30 años. 

Qué si es una película aburrida, qué no es de acción, qué no es mejor que la original, qué es mejor que la primera, qué no le ha sido bien en taquilla y qué eso significa que no es mainstream (lo cual es malo porque si continua así, tendremos que esperar 30 años para que sea de culto y ver la tercera parte). Consejo a todos las personas que no han visto la primera: Deben de verla y no, no es acción (aunque contiene algunas escenas de peleas). Consejo para los puristas: Relájense y disfruten.



Tras esta cinta, Denis Villeneuve (Incedies en 2010; Sicario en el 2015; La Llegada en 2016) ya se puede entrever que el canadiense es uno de los jóvenes maestros en el mundo cinematográfico. Denis se rodea de muchos aspectos técnicos sorprendentes como la fotografía del maestro Roger Deakins (ya denle un Oscar) y la maravillosa estética gracias al diseño de producción, dirección de arte, decoración y vestuario. Blade Runner puso el tema y la idea, esta la siguió, se sostiene de ella y evoluciona un paso más allá.

Blade Runner 2049, a pesar de parecer fría en la distopía que muestra, se siente cercana a los temas de identidad, humanidad (aunque yo lo llamaría, seres conscientes), no deja pasar temas de la primera y emociona con las menciones respecto a ella. También, hay ciertas cosas que, sinceramente, son maestría absoluta como cierta escena con Ana de Armas, Mackenzie Davis y Ryan Gosling que juega con la ciencia ficción, efectos, acercamiento, y excitación de los sentidos. Otra es, la escena entre K y Dr. Ana Stelline (Carla Juri), la suiza aparece en contados minutos pero atrae miradas por su naturalidad. Sus escenas claves se quedan guardadas en el subconsciente del espectador.




Quizás esta nueva película vaya a padecer pues es complicada, larga, difícil de saborear, no todos vieron la primera y quienes lo hicieron la gran mayoría la prefiere, no la querrán suplantar o vamos, abrir espacio, y no logrará tantos adeptos en la actualidad porque las personas necesitan una rápida explicación. Parece que la historia se repetirá, igual hasta termine por enterrarse aún más, a lo mejor algunas fechas serán recordadas en un futuro y solo así, gracias a la cultura Pop, vuelva a surgir (lastima, de verdad el tema que se comentó al final pintaba para ser interesante, también falta explorar el tema de las colonias y al enigmático Niander Wallace interpretado por Jared Leto).