lunes, 5 de febrero de 2018

Tres anuncios por un crimen

Crítica publicada el 1 de febrero en ADN Morelos

No entiendo los últimos comentarios que se han suscitado por parte de algunos críticos de cine. Pasa la siguiente, al principio les gustó mucho este film, pero conforme fue adquiriendo premios y mostrándose como una de las favoritas para ganar (incluso el Oscar) la han vapuleado. Yo me divertí, es imperfecta, incoherente pero ello la llena de personalidad, además ¿Quién no ha estado tentado en hacer lo que hizo la protagonista?

Después de que han pasado meses sin que haya un culpable en el caso del asesinato de su hija, Mildred Hayes (Frances McDormand) comete un acto osado al mandar poner 3 anuncios que conducen a su pueblo los cuales contienen un mensaje controversial dirigido a William Willoughby (Woody Harrelson), venerado jefe de policía del lugar.



¿Quién no ha estado tentado? Bueno, muchos lo han hecho a través de las redes sociales, la mayoría de las veces si resulta empático e indigno se viraliza el acto de manera grande (hace poco tuvimos el de Marco Antonio Sánchez Flores a nivel nacional). Bueno, algo así sucede aquí. Three billboards outside Ebbing, Missouri es buena, simpática, se ríe y llora, invita a cerrar ciclos, y sirve para redimir a personajes.

La primera hora es magistral, su director y escritor Martin McDonagh presenta a los personajes y a la situación e invita a quedarse para ver el desenlace, es lo que los personajes quieren y nosotros también. Frances McDormand está monumental en su papel matriarcal poseedor de una ironía y sentimiento que estremece; Woody Harrelson, es el detonante; Sam Rockwell tiene diversos matices y es el patiño de la trama y quizás sea el mayor problema en ella al mismo tiempo (pero no actúa mal, por el contrario); hay otros personajes secundarios que figuran ahí por alguna razón y caben dentro de la obra, lamentablemente uno de ellos no es Peter Dinklage (Game of Thrones) pues no brilla y su personaje no aporta nada a la trama (¿Qué hacía ahí?).

Para la segunda hora es cuando quizás se siente que cae, sin embargo el punto es el siguiente, como en la vida, la propuesta de McDonagh es similar a nuestras (in)justicias, decadencias, logros, misterios y más: jamás pasará lo que queremos que pase. Y si bien, podemos encontrarnos con un “Nocturnal Animals” cuya justicia sucedió en la ficción dentro de la ficción o un “Wind River” que encontró justicia en terceros (y que merecía mejor suerte al tener una trama muy parecía a esta en cuestión); Tres anuncios por un crimen sigue esa ruta justiciera para evitar infortunios en el futuro.



Al comentar que la película tiene personalidad es porque se da el gusto de mostrar a un personaje racista que es capaz de sentir responsabilidad cuando le muestran que alguien cree en él; un personaje resentido con la vida pero capaz de amar a sus seres queridos y sentir empatía por otros; todos ellos son acompañados con diálogos ingeniosos y con un aire divertido en casi cada violento fotograma que hay en ella.


Tres anuncios por un crimen, tiene 7 nominaciones al Oscar, 9 al premio BAFTA, ha ganado el SAG Award a Mejor Actriz Principal y Mejor Actor Secundario (la verdad, Sam Rockwell ha tenido mejores actuaciones, pero este premio, que seguro gana, es un “te lo debíamos”) pero más que los premios, es una buena cinta a nivel entretenimiento, quizás una catarsis ante las injusticias, y una mirada divertida hacia la perturbada vida en el mundo; no coincido en que sea mala pero sí en lo que muchos dicen, si se lleva el premio a Mejor Película no sería correcto. 


Cartas de van Gogh (Loving Vincent)

Crítica publicada el 31 de enero en El Sol de Mazatlán

La primera vez que supe sobre el pintor Holandés fue cuando tenía once o doce años y fue por una banda española que llevaba por nombre el miembro de su cuerpo más celebre: una oreja.  Y como caso de la Ley de la Atracción, a los días la maestra de Artes Plásticas platicó sobre él. Así pues, interesada (o por una tarea, no recuerdo bien, fue hace dieciocho años), busqué en aquellos inicios de la red y leí la biografía del personaje. A partir de ahí su historia y nombre no me serían ajenos, y su vida sería un punto de partida y aliento a los artistas en diferentes rubros del arte (o de cualquier búsqueda profesional). A pesar de sentirlo cercano también había incomprensión, pero tras ver Cartas de van Gogh, hay una mirada diferente que se abre en los espectadores del cine y de la representación a través de su pictórica.

El joven Armand recibe una carta de su padre, el cartero Joseph Roulin, para entregarla en mano en Paris a Theo, el hermano de su amigo Vincent van Gogh. Pero en París no hay rastro de él, y cuentan que murió poco tiempo después de que su hermano Vincent se quitara la vida. Tras ello, Armand seguirá los pasos del artista para dar con el paradero de un familiar o amigo cercano, a la par, conocerá al artista, al hombre y el misterio detrás de su muerte.

                                              

Estamos ante el primer largometraje compuesto por pinturas animadas, pintada sobre óleo y la técnica a lápiz; cien artistas trabajaron al estilo de van Gogh para hacer 65 mil retratos retratos, para tener un total de 853 tomas. La obra recién fue nominada al Oscar a Mejor Película Animada y tiene otra cantidad de premios y nominaciones a nivel mundial, a nuestro puerto solo llegó en un solo cine el cual es CINEMEX GALERIAS.

La cinta es un logro demandante por cada pincelazo y por la narrativa que cuenta quién fue el pintor.  Nos envuelven en un misterio y nos permiten visualizar, suponer, indagar, condenar, imaginar y ser espectadores de las historias de algunas de las pinturas más destacadas o conocidas que creó, independientemente si son reales las narraciones (al fin y al cabo se toman algunas atribuciones pero también se basan en las cartas y personas reales), al ver el film esas obras se ven de una manera distinta por la propuesta que se le da, ejemplo: Dr. Paul Gachet (del cual, la audiencia en mi sala soltó una exclamación); Retrato de Pere Tanguy; Retrato de Joseph Roulin; Marguerite Gachet en el piano; Viejo con la cabeza en las manos (una de las propuestas más ingeniosas en la película), por mencionar algunas.  

                                              


Cartas a van Gogh debe verse, seguro será recomendada a los amantes del cine, la animación, el arte, la pintura, será vista por aquellos alumnos a quienes les pidan un trabajo sobre el exponente del post impresionismo, será un tesoro para los maestros en sus salones de clases, pero sobre todo, es un acercamiento no superficial (pero a la vez aún misterioso) al artista, al hombre y a su trabajo: es un verdadero homenaje.

                                              


lunes, 29 de enero de 2018

La Forma del Agua

Crítica publicada el día 17 de Enero en el periódico El Sol de Mazatlán y ADN Morelos.

La primera vez que vi algo de Guillermo del Toro (técnicamente sería el comercial de Alka Seltzer en 1991 donde se convierte en un hombre lobo) en la gran pantalla fue con El Espinazo del Diablo en 2001. Como tantas veces en mi niñez y juventud fue gracias a mi hermano quien siempre ha sido un gran admirador de lo irreal, terrorífico y grotesco, él fue quien pidió a papá que nos llevara al cine a disfrutar la obra que sería una nueva apuesta por el oriundo de Jalisco (le fue muy mal con Mimic en 1997) y que lo impulsaría a realizar Hellboy en el 2004 y El Laberinto del Fauno en el 2006, una de sus obras cumbres y de mayor presencia cinematográfica y cultural que se recuerde. Pasaron 11 años para que del Toro volviera a decir que presenciaríamos algo como eso en el cine. Aunque cada uno tendrá la favorita del director, y apreciará distinto sus obras, es innegable que The Shape of Water (La forma del agua) marca un paso excelso en su ya grandiosa filmografía, no por proponer sino por la pasión que se siente hacia ella.  



Elisa (Sally Hawkins) es una joven muda que trabaja como conserje en un laboratorio en 1963, en plena Guerra Fría, donde se enamorará de un hombre anfibio (Doug Jones) que se encuentra ahí recluido. Pero el mundo real no es un lugar seguro para un ser de estas características. 

Todo lo que se ha escrito, leído y comentado de manera positiva es verdad y más. La Forma del Agua es un cuento hermoso que posee una metáfora sobre de amor, la humanidad, y las diferencias entre los seres.



Desde los primeros momentos la hermosa fotografía de Dan Laustsen nos sumerge (si se permite la retorica del lenguaje ante los primero fotogramas) junto a la hermosa partitura del francés Alexandre Desplat a la historia creada por Vanessa Taylor y Guillermo del Toro, donde los colores aqua, verde, el negro (y luego otros colores conforme avanza la trama) colorean la pantalla - la cual, originalmente sería en blanco y negro.

Se narra de manera ágil, categórica, cómica y empática situaciones de amor; deseo; placer; preferencias sexuales; diferencias sociales; razas; conflicto entre países; comunicación; solidaridad; y amistad.



Todo ello es en gran parte por el gran elenco que Guillermo tiene a sus anchas, quienes saben y permiten maniobrarse con del Toro. Sally Hawkins es una actriz diferente, ella no posee el glamour hollywodense, su humildad y sencillez le permiten llenarse de más humanidad para sus personajes, y Elisa Esposito representa un reto que lo supera con creces; para aquellos que no la conocían por su selección de papeles – mayormente – independientes o sin mucho publico, su faz será recordada por ser la princesa heroína sin voz (el director siempre ha sido un feminista y vuelve a mostrarlo con este personaje).

El resto del elenco forma los personajes comunes en los cuentos y están muy marcados desde el trailer: la simpática y siempre agradable de ver Octavia Spencer, aparece como amiga y compinche de Elisa; el soberbio Michael Shannon es el villano; a falta de figura paterna, Richard Jenkins – mostrando su temple cómico y dramático – es Giles; Michael Stuhlbarg es el aliado inesperado (quien también aparece en otro filme poderoso y premiado en este año, Call Me by Your Name); y Doug Jones (común colaborador de Guillermo del Toro) es el príncipe, el monstruo, el enamorado, el héroe, el ser diferente del cual Elisa se enamora.



Guillermo del Toro es un cinéfilo empedernido, basta con checar su cuenta de Twitter, ver entrevistas, poseer algunos libros sobre él, o saber sobre su colección que ha visitado diversas partes del mundo. En The Shape of Water se nota ello por diversos motivos, además,  el “gordo” – como muchos amigos cercanos le dicen de cariño y como otra legión de admiradores han optado por decirle – tiene años sosteniendo su cine de genero y gracias a ello ha permitido e influenciado a otros para que continúen con ese camino. Que The Shape of Water sea líder de taquilla en México, producto de diseños y dibujos en las redes sociales, y ostenta nominaciones y ganado premios, tiene un gran significado para aquellos cineastas cuya pasión sea un mensaje a través de la metáfora o lo surreal.


¿Obra maestra? Es muy temprano para saberlo, el tiempo lo dirá. Así como un larguirucho fauno y un hombre pálido han tomado su espacio en el cine, más adelante sabremos si un hombre anfibio enamorado, basado en El monstruo de la Laguna Negra, se quedará en la mente y corazón de los espectadores del séptimo arte.

miércoles, 3 de enero de 2018

Star Wars: Los Últimos Jedi

Crítica publicada el día 20 de Diciembre del 2017 en El Sol de Mazatlán y ADN Morelos 


Desde hace mucho tiempo no se hablaba de Star Wars de esta manera y contrario de lo que muchos opinan: es muy bueno. Episodio VIII ha dividido y puesto de un lado a críticos y a un gran sector de los fanáticos (y quienes no son); por otro lado, el resto de fans se han organizando para bajar el score de la cinta en ciertos sitios (y otras cosas que hacen voltear a ver al cielo). Si te gustó es bueno, y si no, también es respetable mientras no te vuelvas en alguien desdeñoso al convertirte en un troll de la red. Pese a esos intentos el breaking news de estos días es: en su primer fin de semana ya ganó 450 millones de dólares (sin estrenarse en China). Independientemente del éxito taquillero, la obra también es un logro en su manufactura, Los Últimos Jedi se atreve y arriesga (incluso las precuelas proponen, lo que atrofia es que no estén tan bien realizadas) y en un mundo lleno de franquicias y spin- off, se agradece que se de frescura a esta saga mientras se renueva sin dejar de lado las bases.

La malvada Primera Orden se ha vuelto más poderosa y tiene contra las cuerdas a la Resistencia, liderada por la General Leia Organa (Carrie Fisher). El piloto Poe Dameron (Oscar Isaac) encabeza una misión para intentar destruir un acorazado de la Primera Orden. Mientras tanto, la joven Rey (Daisy Ridley) tendrá que definir su futuro y su vocación, y el viejo jedi Luke Skywalker (Mark Hamill) revaluar el significado de su vida.



El director Rian Johnson – Looper, 2012 – refresca, se arriesga, quita cosas que no necesita, profundiza de una manera que no se había hecho con anterioridad, toma de base lo pasado (y sí, también a Empire Strikes Back para luego zafarse y poseer su propia personalidad), renueva algo que parecía intocable en varios sentidos, hay espontaneidad, medio arregla los vicios de The Force Awakens, hay humor (como siempre lo ha habido), no hace Fan Service (que era una queja con Episodio VII), deja de lado algunos conceptos pasados pues si en esta galaxia se evoluciona ¿por qué en otra no?, despide personajes (y no le da miedo hacerlo) y adecua el escenario a los nuevos; tal es el caso de Rey y Kylo Ren, quienes tienen las historias más poderosas de la película, deja analizando lo que podría venir para ellos: Estamos ante los personajes que al fin pueden traer el balance de una manera u otra.

No es perfecta, el arco argumental de Finn (que sigue extraviado pero se planta mejor) y Rose es muy largo, a pesar de mostrar que, como en el mundo actual, a muchos les tiene sin cuidado lo que suceda en la sociedad. El personaje de Benicio del Toro – un tanto desperdiciado, pero quizás venga más de él en el futuro – es el que demuestra este punto (¿O qué? ¿Esperábamos un Landon Calrissian?) ¿La Primera Orden no puede dar alcance a la Resistencia? También, en algunas ocasiones adolece en ritmo.



Pero hay muchísimos pros que hacen de lado lo anterior. La fotografía tiene muchos detalles que regresan el entusiasmo de las batallas, incluso hay simetría en la imagen. El diseño de producción es de lo mejor del año junto a Blade Runner 2049, el contraste entre un color y otro refleja el conflicto y estéticamente pinta un buen escenario. Los efectos especiales son perfectos. La música de John Williams capta la esencia del film, toma bases de su pasado pero despliega una nueva batuta musical. No todos los personajes están adecuadamente desarrollados, pero quienes sí lo están hacen un trabajo muy bueno, sobresalen Daisy Ridley con su magnética personalidad, un Adam Driver que demuestra que es uno de los mejores actores de su generación pues es capaz de mostrar vulnerabilidad y fuerza, una Carrie Fisher que se despide de la pantalla como debe de ser con momentos conmovedores que estremecen, un Mark Hamill batido por su pasado y presente (posee una escena memorable con un personaje de antaño), un Oscar Isaac capaz de llevar en sus hombros lo que viene. Y frases que ya empezaron a compartirse y a decirse.

Hablando de “decir”, los berrinches de los “Fans” son muy al estilo Kylo Ren, van desde el “¡No se sabe mucho de Snoke!”(tampoco del Emperador hace mucho tiempo); créanlo o no pero hay gente diciendo “¡Las mujeres reinan el universo, son las más poderosas, hay exceso de feminismo, está bien pero no debe de haber tanto!” (Star Wars siempre marcó esto desde un inicio con Leia en A New Hope; George Lucas siempre fue un feminista); otros comentarios que hay son: “Las batallas se asemejan a las de la Guerra Mundial”, “Ya me cansé de Star Wars”, “Pudo haber estado mejor”, “Le faltó desarrollo en trama y personajes”. Hay que sopesar lo que realmente involucra hacer un largometraje, riendo escribo lo siguiente “Aquí les pregunto, qué hubieran hecho ustedes” ¿Cómo? ¿Qué novedades le pondrían? ¿O simplemente están esperando algo que muchos ni siquiera saben qué es?




Todos tienen derecho a dar una opinión, pero no a organizar una horda para acribillar a quienes sí les gustó (o viceversa) y a quienes la quieren ver porque quieren  intentar sabotearla. Si ya les enfadó la franquicia, pueden ver otro cine, Star Wars los estará esperando; mientras pasa eso vean “A Ghost Story” con una maravillosa historia sobre el tiempo, espacio, perdida y amor; pronto se estrenarán “Call Me by Your Name”, “The Shape of Water”, “Lady Bird”; o bien, pueden ver clásicos como “Citizen Kane”, “2001: A Space Odyssey”, “Cuentos de Tokyo”. Hay que nutrirse de cine, de planos, composición, fotografía, etc. Asusta que un filme de entretenimiento al cambiar un poco las reglas sea recibida con abucheos.

The Last Jedi es una sorpresa, regresa la chispa, la oportunidad de emocionarse, de salir de la zona de confort y con ello logra ser una de las mejores de la saga.


PD: Dejo dos estupendos artículos para entender más la historia y analizarla. La lectura es bajo spoilers, si no la han visto, eviten leer por el momento. Uno es por Alf Noriega (http://www.smashmexico.com.mx/trend/2017/12/15/star-wars-the-last-jedi-fina-explicado-pelicula/) y otro de Mario Alegre (http://proximatanda.com/cine/ruptura-y-nacimiento-en-defensa-de-los-riesgos-tomados-por-last-jedi/).

Update: Añado un podcast que tuvimos unos amigos tuiteros y yo sobre el film, dura igual que la película pero tal como esta, vale la pena: http://mcsinc.blogspot.mx/2017/12/podcast-especial-star-wars-last-jedi.html